English version


HANS SCHABUS

Der lange Morgen 

opening: November 10, 2021, 7pm

duration: November 11, 2021 – January 15, 2022


opening speech by Séamus Kealy, Director, Salzburger Kunstverein 


Every life is in many days, day after day. We walk through ourselves, meeting robbers, ghosts, giants, old men, young men, wives, widows, brothers-in-love. But always meeting ourselves. – James Joyce. Ulysses.


Hans Schabus makes artworks that curiously play with his experiences of the cosmos. His own surroundings are often referenced when he builds ideas out of scant or quotidian materials. Like a possessed madman, he has dug massive holes under his studio, burrowed under museums to make new passages for visitors, sailed on a self-made boat through underground tunnels, cycled around and through massive tracts of land, and in 2005, he transformed the Austrian pavilion at the Venice Biennale into a wooden, labyrinthine mountain. Curiously, all of these laborious endeavors, each with a seeming beginning and end on offer, in fact, led to nowhere really. This element of a journey or passage to somewhere else is foiled, somewhat deliberately, often by the exhausting impossibility and weight of the context that Hans imposes on his work, or by a deliberate repetition that undercuts a sense of novelty in the experience. Having gone nowhere, or rather done a circuit that must only return upon itself, something has however been done.

One could say that Hans often makes something out of nothing. There are works by Hans Schabus that arise out of these self-imposed barriers or negatives, or they might, as in recent work, arise out from the unseen, the unrealized or the neglected. This might be a negative space, such as his stubborn tendency to dig holes, or to keep returning to the empty space of his studio as a muse, and now, employing the spectrality of non-existent events and the “cancelled-out.” We have all experienced this recently. ABGESAGT! GECANCELLED! CLOSED UNTIL FURTHER NOTICE! DUE TO THE CIRCUMSTANCES, THERE WILL BE NO NEW POSITIONS CREATED. PUB CLOSED FOR SERVICE.

Here are imposed conditions again … and it seems they did indeed tempt Hans to make some sort of intervention. Didn’t we all think we might do something new, bold and productive during the pandemic? Then, for most of us … the great majority of us ..  myself included, nothing or almost nothing arose. Or we were unable to apply ourselves to something new when given the opportunity? Of course there were exceptions. Some of you might be smirking now because there is a plentiful garden in your backyard or your mind has developed to take in a new language. There is surely someone among us who became a mathematical genius over the last year. In my case, I made three paintings. Over that year. I probably could have made thirty. Well for Hans, he had the same conundrum, in facing absences from the familiar world. We can say that there was a kind of nothing that he confronted, but out of the nothing arose something. Let me return to this when discussing the artwork in this exhibition. In the meantime, I hope to explain this paradox of something emerging from nothing by using one phrase that I recently said to Hans in his studio. I believe that he liked this. This was:

Hans fucks around with things.

And in this case, he fucks around with non-things too. There is a simplicity and everyday elegance to Hans Schabus’ work that I have come to admire now over about, ahem, 18 years of knowing the man and his work. Without getting too nostalgic, you might permit me to say that our paths have crossed professionally several times over these years. Naturally it would be my tendency over these years to come up with a common thread to his work. And I have, I just said it, I hope you can bear with me:

Hans fucks around with things.

There is nothing pejorative in this statement. I might venture to say that Samuel Beckett was also an artist who fucked around with things. I might not get out of a Beckett conference in one piece repeating this claim (and maybe I won’t get out of this gallery in one piece) but if we consider it, we can state, that out of a seeming nothing, Beckett made a few elegant gestures combined with minimal conditions to produce profound literature and theatre. This inventiveness with bare bones and dust is for me astonishing and awe-inspiring.

Let’s start with my first encounter with Hans’ work, when he mounted his show Astronaut (Komme gleich) at Secession in 2003. I pitched an article about this show to Flash Art Magazine and thus wrote my first text for them about Hans’ work. Hans’s exhibition, titled Astronaut, was about, essentially, trying to escape Vienna, either in a self-made boat under Vienna’s sewers (in Western, the brilliant film parody of The Third Man) or by venturing through a hallway semi-excavated in the Secession building itself. There was something haunting about this work, but also outrageous. 


You see, the artist-cum-astronaut doesn’t get out. This mission goes awry. Or does it? He’s on his way, komme gleich, he says, but then he only just comes back to where he started. It seems a bit pointless but he does it regardless. It is as if he cannot help himself. Did you not also wonder about his bicycle journeys through America or now more recently during the pandemic from the very most northern to the very most southern parts of continental Europe? What is he up to? We might say that he is spinning his work out of this seemingly, deceptively banal engagement with the barest of reality. I mean, look at the video he has made, it is not thrilling. Of course I do not mean to assert that this work is boring or to cycle across a continent in banal. No, this is a grand gesture. But the how of this becoming an artwork could be interpreted as dry and banal. In his case, it does not – although coming dangerously close. 


Let me explain, by again going back briefly to another unit of time.


In 2016, we presented his exhibition The Long Road from Tall Trees to Tall Houses in the Salzburger Kunstverein. This exhibition charted, day by day, his 42 day cycle route from California (where there were the tall trees) to New York city (where there were the tall houses). A series of pictures were presented throughout the gallery, each one having a postcard and a photo of Hans in a hotel room from each of his stops. Sometimes we are staring at his thick, hairy calves and swollen, smelly feet from the POV of his bed. On his blog for this journey and project, he concludes with the statement: The Long Road from Tall Trees to Tall Houses turned out to be: distance: 5.352 km / 3.325 mi, elevation gain: 36.490 hm / 119.717 ft. It seems all so logical or mechanical. But no, there is something further here. When planning his exhibition of this work, for example, he said to me: Séamus, I’d like to bore a huge fucking hole right through that concrete gallery wall into the hallway.  


I paused for a few seconds. And then I said ok let’s do it.


If this isn’t fucking around with things, I don’t know what else it is. Of course, there are gestures at work here. It wasn’t that Hans and I had too many beers together and at the end of the night, I said, yeah Hans, great, fuck it, let’s just carve out a huge circular hole out of the historic  building … for the hell of it. No, I trusted what he was up to. Here he was connecting the inner and outer spaces of the gallery, as a continuation of his journey. Time and space were continually being engaged with even in the exhibition itself. They were still moving, maybe catching up with him as they had traveled behind him, and were not to be paused or pinned down in the context of an exhibition, although to be an acknowledged determining factor. His tendency to inscribe time into units underlines this gesture. Something still had to have the element of being able to escape or move in and out of the exhibition. Hans was re-working found material. The material is, of course, the time and space of his journey. Hans’ project was actually by its very nature an enquiry into being and time. This is profound artwork in its very simplicity. But the “fucking around” part of this work is what makes the work pulsate. I say this, because, in fact, there is always this danger that Hans’ work or artwork by someone else with similar tactics will make work that resembles its material so closely as to disappear. We’ve all seen that in contemporary art spaces, right? It’s the fucking around part …. In English we would also say, the “messing with our heads” element … this is what gives his work a charge. I felt this charge the first time I saw his work at Secession, and it was confirmed when I met Hans then and interviewed him. Then it was re-confirmed when I invited him to Canada, twice, to present his work there too. Then again in Salzburg. And now again, this charge is present in this exhibition here in the beautiful Krinzinger gallery. 


So where does that take us with his new work?

A summary: Pandemic happens. We are all, mostly, isolated from one another. Some take up new activities. Many watch tv. Many others suffer as the global economy slows dramatically. Some die from Covid, many others die within worsened, insufferable conditions. A small minority profit, greatly. Another minority, larger, find time to deepen their individualism by pursuing new activities. Another eccentric minority expands its belief in mad ideas. Many others pull together to support one another. Pandemic waxes and wanes, improves in some places, worsens in other places, remains persistent where resources are low. We are still within it all.

There were and continue to be great waves of suffering. There was a divide and there was a renewal due to the pandemic. There were those who made nothing of it. There were those who made something of the nothing of it. Hans is one of them.

One item from the summary above remains: Events are cancelled. Empty stages.

I can tell you that in Ireland this was particularly hard. There were no legal gigs for 18 months. Pubs without music are like rivers without fish. 

The non-happening of these events – this absence in terms of space, time and experience – is one of the materials he employs in this exhibition. One might think here of a disappearing act repeated like a broken record or a glitch in time. Alongside this are the associations and memories we might have when, not only we reminisce on when we saw live music last, but more so we come across the references Hans plays with: the kinky-kitsch apocalypse of Iron Maiden (apocalypse is cancelled, lads!), Dua-Lipa’s future-nostalgia tour (an ironic twist on an already groovy but confusing irony), and of course Guns N’ Roses (welcome to the jungle baby), Pet Shop Boys, and Patti Smith, all this nostalgic music that never goes away, can never go away, is sliced apart and put back together. There is a kind of visual wordplay in his disassembling and re-assembling of these posters, comprised of pop cultural associations, our individual and collective memories and experiences, and our individual and collective forgetting. The work is fueled by the non-happening of these events, like individual forms of time travel in the mind, or a sudden eruption into a parallel universe made of fragments of different lost or possible time.

And then he presents a stage for us, made out of these posters, or rather templates of the posters. This is why sometimes we see straightforward text, sometimes mirrored text or sometimes mirrored and upside down text. Hans is using the mechanisms of poster fabrication as they present themselves. Figures made from these aluminum templates and the scaffolding of the stage gear appear, like awkward ghosts echoing the non-existent crowds. When I saw this stage, it immediately reminded me of an outdoor sculpture made for Nuit Blanche in Toronto in 2008 by the artist Kristan Horton. Nuit Blanche is the equivalent of Lange Nacht den Museen. From afar, one could hear a crowd cheering, sometimes jeering, and as one approached, one could see the flood lights and a large outdoor stage apparatus set up. But then, there was no one there. The sound blasting through the speakers was a pre-recorded crowd chanting. Kristan was clearly parodying the spectacle of Nuit Blanche (which boasts up to 1 Million visitors in a night) in this tautological kind of presentation of a stage in the dark that we gather to in excitement to observe, only to realize we have been tricked. Hans is also concerned with this aspect of spectacle and meaninglessness, although perhaps less pointedly. He leaves this for us to consider, and for us to consider ideas of the “new normal” or “return to the good old days” that are floating around, especially in regard to arts and entertainment. Perhaps he is suggesting we should be again wary of the danger of spectacle coming to replace more contemplative pursuits. We can ask him later over a beer. 


I would lastly mention the stuck sliding garage door. Shut the Fuck Down, I believe it is called, and the coincidence of my use of the F-word earlier seems justified. Hans has made a copy of the sliding door to his studio and brought it as an intervention into the elegant architecture of this beautiful gallery. For one, it is another reminder that we are presented ruminations on the universe from the swivel-joint of Hans Schabus. That is, the universe spirals out from him, here again announced by his reference, once again, back to his studio. However rather than explicitly being an egotistical or solipsistic experience, this is more of a collective, jedermensch gesture of sharing, as we are invited along his journey and we are not instructed by Hans about what it all means. He does the ground work, sometimes quite dizzying actually, and we can tag along as we please. 


One of my favourite aspects of Hans’ work is its accessibility. This is certainly echoed in his quirky use of this semi-industrial garage door in this exhibition. Hans’ work, in its presence, in its resemblance and echoing of the everyday, offers us a poetic view on our shared perceptions; what has happened, and what has not, although could have, and what is now before us. 


Hans Schabus (born 1970 in Watschnig, Austria) lives and works in Vienna.

1991–1996 studied at the Academy of Fine Arts Vienna, since 2014 professor of sculpture and spatial design at the University of Applied Arts Vienna.

Selection of individual and group shows: Museum der Moderne Salzburg, Rupertinum, Salzburg, AT (2019) group show, Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Wien, AT (2018) GA, Kunsthalle Wien, Vienna, AT, (2018), group show, Cafe Hansi (Aufstellung), mumok – museum moderner kunst stiftung Ludwig, Vienna, AT (2017), solo show, The Long Road from Tall Trees to Tall Houses, curated by León Krempel, Kunsthalle, Darmstadt, DE (2017), solo show, and at the Salzburger Kunstverein curated by

Séamus Kealy, Salzburg, AT, (2016), solo show, Vertikale Anstrengung, curated by Bettina Steinbrügge, Belvedere 21, Vienna, AT, (2012), solo show, Daily Mirror, curated by Ursula Krinzinger, One World Foundation, Ahungalla / LK (2012), Next Time I’m Here I’ll Be There, curated by Francesco Manacorda, Barbican / The Curve, London, GB (2008), solo show, Revolutions – Forms that Turn, curated by Carolyn Christov-Bakargiev, Biennale of Sydney, AU (2008), solo show, Innere Sicherheit, curated by Bernhard Balkenhol, Kasseler Kunstverein, Kassel, DE (2006), solo show, Das letzte Land, curated by Max Hollein, La Biennale di Venezia, 51. Esposizione Internazionale d’Arte, Austrian Pavilion, Venice, IT (2005), solo show, Das Rendezvousproblem, curated by Eckhard Schneider, Kunsthaus, Bregenz, Bregenz, AT (2004), solo show, Transport, curated by Harald Uhr, Bonner Kunstverein, Bonn, DE (2003), solo show, Astronaut (komme gleich), Secession, Vienna, AT (2003), solo show; Exhibitions at Galerie Krinzinger: Bruno Gironcoli, Hans Schabus, NÄCHSTE TÜRE LÄUTEN! (ring the bell next door) Galerie Krinzinger, Vienna AT (2018), solo show, AiR Sri Lanka, Krinzinger Projekte, Vienna, AT (2012), group show, Joint Venture, Galerie Krinzinger, Vienna, AT (1996), group show; Awards: International Video Art Prize, Hamburg, DE (2011), Arnold Bode Award, Kassel, DE (2006), Fine Arts Award of the City of Vienna, Vienna, AT (2006), Kardinal König Art Award (First Laureate), Salzburg, AT (2005), Professor Hilde Goldschmidt Award, Kitzbühel, AT (2001)


German version:


HANS SCHABUS

Der lange Morgen 

Eröffnung: 10. November, 2021, 19h

Dauer: 11. November 2021 – 15. Januar 2022


Eröffnungsrede von Séamus Kealy, Direktor Salzburger Kunstverein 


Every life is in many days, day after day. We walk through ourselves, meeting robbers, ghosts, giants, old men, young men, wives, widows, brothers-in-love. But always meeting ourselves. – James Joyce. Ulysses.


Hans Schabus schafft Kunstwerke, die auf merkwürdige Weise mit seinen kosmischen Erfahrungen spielen. Oft bezieht er sich auf seine Umgebung, wenn er z. B. aus spärlichen oder alltäglichen Materialien Ideen entwickelt. Wie ein Besessener hat er riesige Löcher unter sein Atelier gegraben, unter Museen gegraben, um neue Durchgänge für Besucher zu schaffen, ist mit einem selbstgebauten Boot durch unterirdische Tunnel gesegelt, mit dem Fahrrad um und durch riesige Landstriche gefahren und hat 2005 den österreichischen Pavillon auf der Biennale in Venedig in einen hölzernen, labyrinthischen Berg verwandelt. Seltsamerweise führten all diese mühsamen Unternehmungen, die jede einen scheinbaren Anfang und ein scheinbares Ende hatte, in Wirklichkeit nirgendwo hin. Dieses Element einer Reise oder eines Übergangs zu einem anderen Ort wird absichtlich vereitelt, oft durch die erschöpfende Unmöglichkeit und dem Gewicht des Kontextes, den Hans seiner Arbeit auferlegt, oder durch Wiederholung, die das Gefühl der Neuheit der Erfahrung untergräbt. Nachdem er nirgendwohin gegangen ist, er vielmehr einen Kreislauf durchlaufen hat, der nur in sich selbst zurückkehren kann, ist dennoch etwas geschehen.

Man könnte sagen, dass Hans oft aus Nichts etwas macht. Es gibt Werke von Hans Schabus, die aus diesen selbst auferlegten Barrieren oder Negativen entstehen, oder sie könnten, wie in neueren Arbeiten, aus dem Ungesehenen, dem Unrealisierten oder dem Vernachlässigten entstehen. Das kann ein negativer Raum sein, wie seine hartnäckige Neigung, Löcher zu graben, oder immer wieder in sein leeres Atelier als Muse zurückzukehren, um nun die Spektralität nicht vorhandener Ereignisse und des „Ausgelöschten“ einzusetzen. Wir alle haben das in letzter Zeit erlebt. ABGESAGT! GESCHLOSSEN! BIS AUF WEITERES GESCHLOSSEN! AUFGRUND DER UMSTÄNDE WERDEN KEINE NEUEN STELLEN GESCHAFFEN. KNEIPE GESCHLOSSEN. 


Hier sind wieder die auferlegten Bedingungen ... und es scheint, dass sie Hans tatsächlich dazu verleitet haben, irgendwie einzugreifen. Dachten wir nicht alle, dass wir während der Pandemie etwas Neues, Kühnes und Produktives tun könnten? Doch für die meisten von uns ... die große Mehrheit von uns ... mich eingeschlossen, entstand nichts oder fast nichts. Oder waren wir nicht in der Lage, uns auf etwas Neues einzulassen, als sich die Gelegenheit bot? Natürlich gibt es Ausnahmen. Einige von euch werden jetzt vielleicht schmunzeln, weil es jetzt einen üppigen Garten in eurem Hinterhof gibt oder ihr eine neue Sprache gelernt habt. Es gibt sicher jemanden unter uns, der im letzten Jahr ein mathematisches Genie geworden ist. In meinem Fall habe ich drei Bilder gemalt. In einem Jahr. Ich hätte wahrscheinlich dreißig machen können. Nun, Hans stand vor dem gleichen Problem, als er mit der Abwesenheit der vertrauten Welt konfrontiert wurde. Es gab eine Art Nichts, mit dem er konfrontiert war, aber daraus ist etwas entstanden. Ich werde darauf zurückkommen, wenn ich über die Kunstwerke in dieser Ausstellung spreche. In der Zwischenzeit hoffe ich dieses Paradoxon, von etwas, das aus dem Nichts entsteht, mit einem Satz erklären, den ich kürzlich zu Hans in seinem Atelier gesagt habe. Ich glaube, es hat ihm gefallen. Es war:

Hans fucks around with things.

Und in diesem Fall fummelt er an Nicht-Dingen herum. Die Arbeiten von Hans Schabus haben eine Einfachheit und eine alltägliche Eleganz, die ich seit 18 Jahren, in denen ich den Mann und seine Arbeit kenne, bewundere. Ohne zu nostalgisch zu werden, erlaubt mir zu sagen, dass sich unsere Wege in diesen Jahren mehrmals beruflich gekreuzt haben. Natürlich neigte ich in all diesen Jahren dazu, einen roten Faden in seiner Arbeit zu finden. Und das habe ich, ich habe es gerade gesagt, und ich hoffe, ihr könnt es mir nachsehen: 


Hans fucks around with things.

Und an dieser Aussage ist nichts Abwertendes. Ich wage zu behaupten, dass auch Samuel Beckett ein Künstler war, der mit den Dingen gefuckt hat. Ich werde vielleicht nicht unverletzt aus einer Beckett-Konferenz herauskommen, wenn ich diese Behauptung wiederhole (und vielleicht auch nicht unverletzt aus dieser Galerie), aber wenn wir darüber nachdenken, können wir feststellen, dass Beckett aus einem scheinbaren Nichts heraus mit ein paar eleganten Gesten und unter minimalen Bedingungen tiefgründige Literatur und Theater geschaffen hat. Dieser Erfindungsreichtum mit bloßen Knochen und Staub ist für mich erstaunlich und ehrfurchtgebietend.

Beginnen wir mit meiner ersten Begegnung mit Hans’ Arbeit, als er 2003 seine Ausstellung Astronaut (Komme gleich) in der Secession zeigte. Ich schlug dem Flash Art Magazine einen Artikel über diese Ausstellung vor und schrieb somit meinen ersten Text über Hans’ Arbeit. In Hans’ Ausstellung ging es im Wesentlichen um den Versuch, Wien zu entkommen, entweder in einem selbstgebauten Boot in der Wiener Kanalisation (in Western, der brillanten Filmparodie von Der dritte Mann) oder durch einen halb ausgegrabenen Gang im Secessionsgebäude selbst. Diese Arbeit hatte etwas Beklemmendes, aber auch Ungeheuerliches.

Der Künstler und Astronaut kommt nämlich nicht raus. Die Mission geht schief. Oder doch nicht? Er ist auf dem Weg, komme gleich, sagt er, aber dann kommt er wieder an den Ort zurück, an dem er gestartet ist. Es scheint ein bisschen sinnlos, aber er tut es trotzdem. Es ist, als könne er nicht anders. Haben Sie sich nicht auch schon über seine Radreisen durch Amerika oder neuerdings während der Pandemie vom nördlichsten bis zum südlichsten Teil des europäischen Kontinents gewundert? Was treibt er da? Man könnte sagen, dass er seine Arbeit aus dieser scheinbar trügerisch banalen Auseinandersetzung mit der nackten Realität heraus entwickelt. Ich meine, schaut euch das Video an, das er gemacht hat, es ist nicht spektakulär. Natürlich will ich nicht behaupten, dass diese Arbeit langweilig oder es gar banal ist, durch einen Kontinent zu radeln. Nein, das ist eine große Geste. Aber die Art und Weise, wie es zu einem Kunstwerk wird, könnte als trocken und banal interpretiert werden. In seinem Fall ist das nicht so – obwohl es dem gefährlich nahe kommt.

Lasst es mich erklären, indem ich noch einmal kurz auf eine andere Zeitspanne zurückkomme.

2016 zeigten wir im Salzburger Kunstverein seine Ausstellung The Long Road from Tall Trees to Tall Houses. Diese Ausstellung zeichnete Tag für Tag seine 42-tägige Fahrradroute von Kalifornien (wo die hohen Bäume stehen) nach New York City (wo die hohen Häuser sind) auf. Eine Serie von Bildern wurde im Großen Saal präsentiert, jedes mit einer Postkarte und einem Foto vom Hotelzimmer jeder seiner Stationen. Manchmal sehen wir seine dicken, behaarten Waden und seine geschwollenen, stinkenden Füße vom Blickwinkel seines Bettes. Sein Blog zu dieser Reise und zu diesem Projekt schließt mit der Aussage: The Long Road from Tall Trees to Tall Houses turned out to be:  distance: 5.352 km / 3.325 mi, elevation gain: 36.490 hm / 119.717 ft. Es scheint alles logisch und mechanisch. Aber nein, da ist noch etwas anderes. Als er diese Ausstellung plante, sagte er zu mir: Seamus, ich würde gerne ein verdammt großes Loch durch die alten Mauern des Ausstellungsraumes hinaus in den Gang bohren. 

Ich hielt ein paar Sekunden lang inne. Und dann sagte ich: Ok, lass es uns tun. 


Wenn das kein fucking around ist, weiß ich nicht, was es sonst ist. Natürlich waren hier Gesten im Spiel. Es war nicht so, dass Hans und ich zu viele Biere getrunken hatten und ich am Ende des Abends gesagt habe, ja Hans, toll, scheiß drauf, lass uns einfach ein riesiges Loch in das historische Gebäude bohren... Nein, ich habe dem vertraut, was er vorhatte. Er hat dadurch den Innenraum mit dem Außenraum verbunden, als Fortsetzung seiner Reise. Auch in der Ausstellung selbst waren Zeit und Raum immer noch in Bewegung. Sie waren ständig in Bewegung, vielleicht waren sie hinter ihm hergereist und hatten ihn eingeholt, aber sie waren auch im Kontext der Ausstellung nicht anzuhalten oder festzulegen und dennoch ein maßgeblicher und entscheidender Faktor. Seine Neigung, die Zeit in Einheiten einzuschreiben, unterstreicht diese Geste. Etwas musste immer noch die Möglichkeit haben, der Ausstellung zu entkommen, sich in ihr zu bewegen oder sie zu verlassen. Hans hat vorgefundenes Material neu bearbeitet. Das Material ist die Zeit und der Raum seiner Reise. Hans’ Projekt war von Natur aus eine Untersuchung von Sein und Zeit. Das ist in seiner Einfachheit ein tiefgründiges Kunstwerk. Aber das „fucking around“ in diesem Werk ist das, was das Werk pulsieren lässt. Ich betone das, weil in der Tat immer die Gefahr besteht, dass Hans oder ein anderer Künstler mit einer ähnlichen Taktik ein Werk schafft, das seinem Material so sehr ähnelt, dass es verschwindet. Wir alle haben das in zeitgenössischen Kunsträumen schon erlebt, oder? Das ist der Teil des fucking about... auf Englisch würden wir auch sagen, das ist das „to mess around with our heads“ Element, das, was seiner Arbeit eine besondere Note verleiht. Ich spürte dieses Aufgeladen sein, als ich seine Arbeit zum ersten Mal in der Secession sah, und es bestätigte sich, als ich Hans damals traf und interviewte. Und es wurde erneut bestätigt, als ich ihn zweimal nach Kanada einlud, um auch dort seine Arbeiten zu präsentieren. Und dann in Salzburg. Und nun ist diese Aufladung wieder hier in dieser Ausstellung in der schönen Galerie Krinzinger spürbar.

Wohin führt uns also sein neues Werk? 


Eine Zusammenfassung: Eine Pandemie passiert. Wir sind alle, großteils, voneinander isoliert. Einige begeistern sich für neue Aktivitäten. Viele sehen fern. Andere leiden darunter, dass sich die Weltwirtschaft dramatisch verlangsamt. Einige sterben an Covid, viele andere sterben unter schlechten, unerträglichen Bedingungen. Eine kleine Minderheit profitiert in hohem Maße. Eine andere Minderheit, aber größer, findet Zeit, ihren Individualismus zu vertiefen, indem sie neuen Aktivitäten nachgeht. Eine weitere exzentrische Minderheit erweitert ihren Glauben an verrückte Ideen. Viele andere tun sich zusammen, um sich gegenseitig zu unterstützen. Die Pandemie nimmt zu und nimmt ab, verbessert sich an manchen Orten, verschlechtert sich an anderen, bleibt bestehen, wo Ressourcen knapp sind. Wir sind immer noch mittendrin.


Es gab und gibt immer noch große Wellen des Leidens. Es gab Spaltung und Erneuerung durch die Pandemie. Es gab diejenigen, die nichts daraus gemacht haben. Und es gab diejenigen, die aus dem Nichts etwas gemacht haben. Hans ist einer von ihnen.


Ein Punkt der obigen Zusammenfassung bleibt: Veranstaltungen werden abgesagt. Leere Bühnen.

Ich kann euch sagen, dass das in Irland besonders hart war. 18 Monate lang gab es dort keine legalen Gigs. Pubs ohne Musik sind wie Flüsse ohne Fische. 


Das Nichtstattfinden dieser Ereignisse – diese Abwesenheit in Raum, Zeit und Erfahrung – ist eines der Materialien, die Hans in dieser Ausstellung verwendet. Man könnte hier eine verschwindende Handlung sehen, die sich wie eine kaputte Schallplatte oder eine Störung wiederholt. Dazu kommen die Assoziationen und Erinnerungen, die wir vielleicht haben, wenn wir nicht nur daran denken, wann wir das letzte Mal Live-Musik gesehen und gehört haben, sondern auch an die Referenzen, mit denen Hans spielt: die kinky-kitschige Apokalypse von Iron Maiden (Apokalypse ist abgesagt, Jungs!), Dua-Lipas Zukunfts-Nostalgie-Tour (eine ironische Wendung einer bereits groovigen, aber verwirrenden Ironie) und natürlich Guns N’ Roses (welcome to the jungle baby), Pet Shop Boys und Patti Smith, all diese nostalgische Musik, die nie verschwindet, nie verschwinden kann, wird auseinandergeschnitten und wieder zusammengesetzt. Es gibt eine Art visuelles Wortspiel, in seinem Zerlegen und wieder Zusammensetzen dieser Plakate, bestehend aus popkulturellen Assoziationen, unseren individuellen und kollektiven Erinnerungen und Erfahrungen und unserem individuellen und kollektiven Vergessen. Die Arbeit wird durch das Ausbleiben dieser Ereignisse angeheizt, wie individuelle Formen von Zeitreisen im Kopf oder ein plötzlicher Ausbruch in ein Paralleluniversum, das aus Fragmenten verschiedener verlorener oder möglicher Zeiten besteht.

Und dann präsentiert er uns eine Bühne, die aus diesen Plakaten oder bessergesagt aus Plakatvorlagen besteht. Deshalb sehen wir manchmal einen einfachen Text, manchmal gespiegelten oder manchmal gespiegelten und auf den Kopf gestellten Text. Hans nutzt die Mechanismen der Plakatherstellung so, wie sie sich darstellen. Figuren aus Aluminiumschablonen und das Gerüst der Bühnentechnik erscheinen wie unbeholfene Geister, die eine nicht vorhandene Menschenmenge widerspiegeln. Als ich diese Bühne sah, erinnerte sie mich sofort an die Außenskulptur, die der Künstler Kristan Horton 2008 für die Nuit Blanche in Toronto geschaffen hatte. Nuit Blanche ist das Äquivalent zur Langen Nacht der Museen. Von weitem hörte man eine jubelnde, manchmal auch johlende Menge, und wenn man sich näherte, sah man den Bühnenapparat und die Scheinwerfer. Aber dann war da niemand. Aus den Lautsprechern dröhnte ein aufgezeichneter Sprechgesang der Menge. Kristan parodierte eindeutig das Spektakel der Nuit Blanche (die bis zu 1 Million Besucher in einer Nacht zählt) mit dieser tautologischen Art der Präsentation einer Bühne im Dunkeln, bei der wir uns aufgeregt versammeln, um zu beobachten, nur um dann festzustellen, dass wir ausgetrickst wurden. Auch Hans beschäftigt sich mit diesem Aspekt des Spektakels und der Bedeutungslosigkeit, wenn auch vielleicht weniger pointiert. Er überlässt es uns, darüber nachzudenken und uns mit den Ideen der „neuen Normalität“ oder der „Rückkehr zu guten alten Zeiten“ auseinanderzusetzen, die vor allem in Bezug auf Kunst und Unterhaltung im Umlauf sind. Vielleicht will er uns damit auch sagen, dass wir uns vor der Gefahr hüten sollten, dass das Spektakel wieder an die Stelle der kontemplativen Beschäftigung tritt. Wir können ihn später bei einem Bier fragen.

Zu guter Letzt möchte ich noch das klemmende Garagenschiebetor erwähnen. Shut the Fuck Down, so heißt es, und der Umstand, dass ich das F-Wort vorhin benutzt habe, scheint gerechtfertigt. Hans hat die Schiebetür seines Ateliers nachgebaut und es als Eingriff in die elegante Architektur dieser schönen Galerie mitgebracht. Es ist eine weitere Erinnerung daran, dass wir hier Betrachtungen über das Universum, quasi aus dem Handgelenk heraus, präsentiert bekommen. Das heißt, das Universum windet sich spiralförmig von ihm aus, und hier wieder der Verweis, zurück zu seinem Atelier. Allerdings ist dies keine explizit egoistische oder solipsistische Erfahrung, sondern eher eine kollektive, jedermenschliche Geste des Teilens, da wir auf seine Reise eingeladen sind und nicht von ihm belehrt werden, was das alles zu bedeuten hat. Er leistet die Vorarbeit, manchmal sogar ziemlich schwindelerregend, und wir können mitmachen, wie es uns gefällt. 


Einer meiner Lieblingsaspekte an Hans’ Arbeit ist ihre Zugänglichkeit. Das spiegelt sich sicherlich auch in seiner skurrilen Verwendung eines halbindustriellen Garagentors in dieser Ausstellung wider. Hans’ Arbeit bietet uns durch ihre Präsenz, ihre Ähnlichkeit und ihr Echo auf das Alltägliche einen poetischen Blick auf unsere gemeinsamen Wahrnehmungen; auf das, was geschehen ist, auf das, was nicht geschehen ist, obwohl es hätte sein können, und auf das, was jetzt vor uns liegt. 



Hans Schabus (geb. 1970 in Watschnig, Österreich) lebt und arbeitet in Wien.

1991–1996 Studium an der Akademie der Bildenden Künste in Wien, seit 2014 Professur für Skulptur und Raum an der Universität für angewandte Kunst Wien. 

Auswahl Einzel- und Gruppenausstellungen: Museum der Moderne Salzburg, Rupertinum, Salzburg, AT, (2019) GA, Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Wien, AT (2018) GA, Kunsthalle Wien, Wien,  AT (2018), GA, Cafe Hansi (Aufstellung), mumok – museum moderner kunst stiftung ludwig, Wien, AT (2017), EA, The Long Road from Tall Trees to Tall Houses, kuratiert von León Krempel, Kunsthalle, Darmstadt, DE (2017), EA und im Salzburger Kunstverein, Salzburg, kuratiert von Séamus Kealy, (2016) EA, Vertikale Anstrengung, kuratiert von Bettina Steinbrügge, Belvedere 21, Wien, AT (2012), EA, Daily Mirror, kuratiert von Ursula Krinzinger, one world foundation, Ahungalla, LK (2012), EA, Revolutions – Forms that Turn, kuratiert von Carolyn Christov-Bakargiev, Biennale of Sydney, AU (2008), EA, Innere Sicherheit, kuratiert von Bernhard Balkenhol, Kasseler Kunstverein, Kassel, DE  (2006), EA, Das letzte Land, kuratiert von Max Hollein, 51. La Biennale di Venezia, Österreich Pavillon, Venedig, IT (2005), EA, Das Rendezvousproblem, kuratiert von Eckhard Schneider, Kunsthaus  Bregenz, Bregenz, AT (2004), EA, Transport, kuratiert von Harald Uhr, Bonner Kunstverein, Bonn, DE  (2003), EA, Astronaut (komme gleich), Secession, Wien, AT (2003), EA; 

Ausstellungen in der Galerie Krinzinger und Krinzinger Projekte:  Bruno Gironcoli, Hans Schabus, NÄCHSTE TÜRE LÄUTEN!, Galerie Krinzinger, Wien, AT (2018), EA, AiR Sri Lanka, Krinzinger Projekte, Wien, AT (2012), GA, Joint  Venture, Galerie Krinzinger, Wien, AT (1996), GA; Preise: International Video Art Prize, Hamburg, DE (2011), Arnold Bode Award, Kassel, DE (2006), Fine Arts Award of the City of Vienna, Wien, AT (2006), Kardinal König Art Award (Erster Preisträger), Salzburg, AT (2005), Professor Hilde Goldschmidt Preis, Kitzbühel, AT (2001).